L’importanza del montaggio nel mondo del cinema e della produzione video è innegabile. È una delle fasi cruciali che può trasformare radicalmente la qualità e l’impatto di un prodotto visivo. Attraverso quest’arte, è possibile alternare tra inquadrature, sia temporali che spaziali, per creare una narrazione fluida e coinvolgente. Dal primo piano serrato alle panoramiche epiche, ogni inquadratura è scelta con cura per caratterizzare i personaggi e simboleggiare i loro stati emotivi. Ma quando due o più eventi si svolgono contemporaneamente in luoghi diversi, il montaggio parallelo – o editing parallelo – compare come una tecnica potente e versatile, capace di intensificare la tensione e offrire un’intuizione unica al pubblico.
Che cos’è il montaggio parallelo?
Quello parallelo è uno stile di montaggio che probabilmente hai incontrato, ma forse non hai mai identificato. Quando hai due o più azioni che si svolgono in luoghi diversi contemporaneamente e le intrecci tra loro, hai impiegato il montaggio parallelo. Utilizzando questo metodo, le location e le azioni vengono confrontate e messe in contrasto. Il risultato fornisce un livello di approfondimento che il pubblico normalmente non percepirebbe. Questa tecnica è più efficace quando le due azioni o scene si relazionano tra loro e si completano a vicenda.
In questo articolo, esamineremo questa tecnica e discuteremo cosa sia e come viene utilizzato nel cinema.
Parallelo, o no?
È una premessa difficile da definire. C’è una linea molto sottile tra la tecnica che stiamo discutendo e molti altri metodi di editing. Il montaggio parallelo può consistere in altri dispositivi di editing, come schermi divisi e tagli incrociati. Infatti, è possibile che tu incontri spesso questo termine usato per descrivere invece “taglio incrociato”. Tuttavia, alla fine, sono strumenti diversi. Il punto in cui uno finisce e l’altro inizia può diventare piuttosto sfumato. Alla fine, è un concetto di editing. Se non hai chiara la denominazione della tecnica, va bene. Non dovrebbe dissuaderti dall’utilizzarla. La parte importante è che capisci il suo scopo e cosa la distingue da altri tipi di editing.
Come si fa
Per un perfetto e semplice esempio, torniamo al film del 1990 “Caccia a Ottobre Rosso”. A metà del film, troviamo la scena in cui il sottomarino russo omonimo fa ritorno sul suo percorso per individuare eventuali inseguitori. Questo getta l’equipaggio del sottomarino americano Dallas nel panico perché stanno effettivamente seguendo i russi e stanno per essere scoperti.
Durante questo momento di tensione, siamo trattati con una conversazione tranquilla e intima tra due ufficiali russi sull’Ottobre Rosso che proseguono all’oscuro di tutto. Questo viene contrapposto alla tensione soffocata che sta contemporaneamente accadendo a bordo del Dallas. La telecamera alterna ripetutamente tra queste due location. Essenzialmente assistiamo a ciò che accade in entrambi i luoghi contemporaneamente. Il montatore giustifica l’azione contemporanea facendo sembrare che la stazione sonar del sottomarino americano stia effettivamente ascoltando la conversazione degli ufficiali russi. Loro stessi stanno cercando di rimanere in silenzio. La scena diventa tutta sull’ascolto, sulle speranze e sull’intento.
L’uso dell’editing di questo tipo, qui fa sembrare che l’equipaggio del sottomarino americano si stia essenzialmente nascondendo nella stanza del capitano, sperando di non essere scoperto. Come pubblico, attendiamo che cada il proverbiale banco dei pesci e che si scateni il caos, ma non succede mai. Parlano di libertà di movimento, ma in questa situazione, tutti sono intrappolati su più livelli.
Analisi
Questo momento diventa analogo all’intero film nel suo complesso. È un esempio lampante di quanto suspense possa essere generata con questa tecnica. Non c’è dubbio che sia stato un fattore determinante nella nomination agli Oscar per il Miglior Montaggio del film per gli editori Dennis Virkler e John Wright nel 1991.
L’esempio rispetta la definizione?
Sì. Ci sono azioni simultanee che si svolgono in due luoghi diversi allo stesso tempo. Tuttavia, si tratta di due filoni narrativi distinti e separati che sono “ignari” l’uno dell’altro e non si intersecano direttamente. Interagiscono solo nella mente dello spettatore. Il taglio è cruciale, e ciascuna delle scene si potenzia reciprocamente. L’intreccio delle due scene fornisce una comprensione più profonda delle implicazioni nel loro complesso, e il livello di tensione sale alle stelle.
Teoricamente, se l’equipaggio del Dallas avesse effettivamente sentito la conversazione dell’ufficiale e tale conoscenza avesse successivamente modificato le loro azioni, allora staremmo guardando una sola scena anziché due. In quel caso, potremmo considerare questo più come un editing o un taglio incrociato. Il parallelo richiede due o più luoghi/scene simultanei e separati. Ancora una volta, ci sono linee molto sottili tra questi concetti, ma sperabilmente, le distinzioni stanno iniziando a diventare evidenti.
La tecnica
Allontaniamoci ora dal concetto e rivolgiamoci più alla tecnica. Cosa serve per renderla efficace? Come la maggior parte delle forme di editing, questo dipende dal motivo per cui lo stai usando. Il ritmo gioca un ruolo chiave nel parallelismo. Diverse riprese successive avranno spesso una durata molto simile. Questo aiuta a fornire continuità in una situazione intrinsecamente discontinua. Deviare da questo può poi aumentare l’emozione o modificare la tensione.
Per aiutare a fondere le scene in un tutto coerente, vorrai anche tagliare lungo movimenti e temi simili. Trovare movimenti simili può creare un effetto additivo, fondendo le scene. Tagliare su temi contrastanti può spesso aggiungere tensione. Pensate ai numerosi film sui colpi dove viene usato il montaggio parallelo. Un uomo con una valigetta piena di soldi si abbina alla donna che si avvicina a un bancone dall’altra parte della città. Lei distrae “Il signor Inconsapevole” e poi si dirige verso l’ascensore. Quando si aprono le porte dell’ascensore, vediamo l’uomo della valigetta uscire da un ascensore nella sua posizione, questa volta travestito. Tutto sta andando bene. Improvvisamente c’è un urlo, e lui scappa. C’è un’esplosione. Poi passiamo alla donna in un tranquillo ufficio.
Questo è un esempio lampante di come la posizione dei tagli durante la sequenza di montaggio parallelo possa determinare il flusso d’azione. Imposta anche il livello di suspense e ansia durante tutta la scena. Abbinare movimenti simili consente il flusso mentre l’ufficio tranquillo contraddice il caos dell’esplosione.
È anche importante ancorare lo spettatore. Devono sapere quale location stanno osservando in un determinato momento. Illuminazione e tempismo dei colori vengono spesso impiegati per aiutare a separare i luoghi. In alternativa, ci sono momenti in cui potresti voler ingannare il pubblico facendogli credere che le due scene si svolgano nello stesso luogo. Uno dei migliori esempi di questo avviene in “Il silenzio degli innocenti” del 1991. Qui il montaggio parallelo ci fa pensare che l’FBI stia per irrompere sul nostro rapitore. Il punto chiave qui è l’inganno, poiché si scopre che non sono nel posto giusto.
Un esempio oscuro: scoprire il quadro solo alla fine
Nel film “Batman: Il Cavaliere Oscuro”, c’è una scena emblematica che illustra perfettamente l’uso del montaggio parallelo. Durante questa sequenza, Joker confessa che Harvey Dent e Rachel Dawse sono stati rapiti e rinchiusi in due sale piene di esplosivo, ubicate i due diversi punti di Gotham City. Joker comunica sia a Batman che alla polizia i rispettivi indirizzi, ma ammonisce l’uomo pipistrello sul fatto che non farà mai in tempo a salvarli entrambi, dovrà sceglierne uno. Quindi, Batman e la polizia si dividono per poteci riuscire.
Mentre la polizia si dirige verso l’edificio dove Dent è tenuto in ostaggio, Batman si dirige verso l’altra location dove Rachel è stata imprigionata. Il montaggio parallelo inizia qui: vediamo gli agenti di polizia scendere dalle auto e prepararsi ad assaltare l’edificio, mentre allo stesso tempo vediamo Batman attraversare le strade della città per raggiungere la sua destinazione.
Le azioni di entrambi i gruppi sono sincronizzate nel montaggio per creare un senso di tensione e urgenza, poiché vediamo entrambi gli sforzi per salvare le persone care di Gotham contemporaneamente. Le azioni di Batman e della polizia si intrecciano, fornendo al pubblico una visione complessiva della situazione e aumentando il senso di pericolo imminente.
Nel finale, la sorpresa: Batman, convinto di essere diretto verso Rachel, scopre invece che Joker aveva giocato un ultimo scherzo invertendo gli indirizzi delle location. Quindi è costretto a salvare Harvey Dent. La polizia, a sua volta, arriva purtroppo tardi ed è testimone dell’esplosione dell’edificio in cui era Rachel.
Questa sequenza illustra in modo vivido come il montaggio parallelo possa essere utilizzato per accentuare la suspense e l’azione in un film, mettendo in parallelo due diverse ma interconnesse trame narrative.
Conclusioni
Contesto, ritmo, prospettiva e atmosfera sono tutti elementi essenziali per la tecnica del montaggio parallelo. Considerare questi elementi porterà a un dispositivo narrativo che può influenzare il tuo pubblico e trasmettere contesto ed emozione. Quando implementato con cura e nel momento giusto, il montaggio parallelo può essere una bomba a orologeria come strumento narrativo.
Ci sono ulteriori esempi di montaggio parallelo ovunque ti volti. “Inception” (2010) è uno dei riferimenti più predominanti utilizzati per descrivere il metodo. “Nascita di una nazione” (1915), “Il padrino” (1972) e “Il Signore degli Anelli” (2001) utilizzano tutti questa tecnica per sottolineare il collegamento più ampio tra momenti apparentemente separati, lasciando il pubblico con una maggiore comprensione, comprensione e risposta emotiva.
Trova le circostanze giuste dove può davvero brillare può essere un po’ complicato, ma una volta capito, può portare il tuo montaggio in direzioni che non avevi considerato in precedenza.
